“比赛曲目请在本周五前提交纸质版与电子版各一份，手写亦可，附中文注释。”
江临舟盯著教务通知看了几秒，把手机放在桌角。
构局，而非堆叠。
这一次，比赛不是三首短曲的拼贴，而是一场完整的听觉演奏。
四十五分钟，一气呵成，像是讲一个结构复杂的长篇故事。
不是技术展示，而是审美敘述。
他最终决定以贝多芬《悲愴》奏鸣曲三乐章完整开场。
比赛不是音乐会，它更像是一场陈述。
曲目，就是语言。
评委要从你演奏的每一个段落里，听出你的思考逻辑。
《悲愴》不是他最擅长的，但它有“结构”，有重音之下的逻辑张力，有慢板之中的沉潜空间。
第一乐章，是骨架；
第二乐章，是气息；
第三乐章，是回收与重启。
它完成了“起”与“合”——起点清晰，终点落地。
但只弹贝多芬不够。
在这个比赛里，仅有结构是不够的。
还需要意识——还需要声音的深度。
他把德彪西《映像集（第二册）》的前三首放在《悲愴》之后。
这是一场转向。
从古典走向现代，从重力走向水，从秩序走向模糊。
评委可能会质疑这两个世界为何能相连，但他恰恰要在这个转换处，展现他的“听觉逻辑”。
不是技巧的拼贴，而是一整段听觉旅程的策划者。
比赛真正考验的从来不是你弹多少音，而是你——是否有一个“关於声音的思考结构”。
这是他的“起承转合”：
起，是立骨，让人听见你的架构力；
承，是流动，铺陈风格间的呼吸；
转，是意识，进入模糊而自觉的声音领域；
合，是归处，是你如何“收回”一切，告诉评委：“这不是巧合。”
——
那天下午，江临舟预约了琴房，从午后两点开始，一直练到傍晚。
这不是普通的练习。
他把它当成一次完整的试演——
为了录音，也为了测试这套曲目在时间、体力、精神专注度上的连续性。
桌上摆著三瓶水、两张纸巾、一支铅笔和一个旧式录音笔。